145 лет со дня рождения художника - отличный повод посмотреть фильм "Пикассо в Париже", снятый Симоной Ризи, на фестивале "The Art Film Festival", или хотя бы купить билеты на него. В Новосибирске фильм "Пикассо в Париже" покажут в "Победе" 31 октября.
А пока - пять самых известных работ художника, который успел заворожить всех кубизмом, шокировать "Авиньонскими девицами" и сюрреалистическими полотнами, пленить графикой в духе неоклассики, позволил прочувствовать ужас "Герники" и стал одним из самых медийных гениев ХХ века. В последнем с ним мог бы посоперничать Сальвадор Дали. Но сегодня день рождения не у него.
"Девочка на шаре". 1905 год. Сейчас в коллекции ГМИИ им. А. С. Пушкина.
"Розовый период" молодого Пикассо, уже прибывшего покорять Париж, полон меланхолии и поэтической интонации. Полотно "Девочка на шаре" - не исключение. Картина, которую в 1913 году купил московский текстильный магнат Иван Морозов, стала одним из шедевров нового западного искусства в его коллекции. Кажется, что эта работа - предчувствие циркачей в фильмах Феллини, а заодно - и девочек-подростков, тонких, угловатых, колючих и нежных, что покорили модные подиумы в начале 1960-х. Но Пабло Пикассо написал ее на заре века и своей артистической карьеры.
О "Девочке на шаре" писали стихи, ее двойники являлись в фильмах и на льду стадионов. И даже на марке - в 1971 году Минсвязи в СССР выпустило почтовую марку с ее репродукцией.
"Авиньонские девицы". 1907 год. Сейчас в Музее современного искусства в Нью-Йорке (МОМА).
Вообще-то картина вначале называлась "Бордель в Авиньоне". Она напоминала в Париже о Барселоне, где художник жил недалеко от квартала, который славился публичными домами. Художник туда заглядывал. Разумеется, только потому, что нашел там единственную лавку, где бумага и акварельные краски продавались дешево. Приятель Андре Сальмон предложил более скромное название - "Авиньонские девицы". Под ним картина и явилась пред очи шокированных зрителей на выставке в 1916 году.
Искусствоведы считают, что с этого полотна начинается аналитический кубизм. Так что "Авиньонские девицы" совершили переворот в живописи. Прежние купальщицы, Венеры и античные нимфы в скульптуре и живописи несли образ классической гармонии, совершенной красоты. Пикассо, во-первых, предпочел дионисийский образ менад, правда, на его полотне, никуда не несущихся в дикой пляске, но в упор разглядывающих зрителя (чтобы не сказать оценивающих) огромными удлиненными очами. А во-вторых, образ чувственной страсти он перевел на язык африканской скульптуры, превратив нимф в угловатые фигуры, похожие на монументы, грубо высеченные топором. Словом, мраморные богини прошли кубистическую огранку, проложив путь маршу кубизма в искусстве ХХ века.
Смотрите лекцию Ильи Доронченкова об этом шедевре в Третьяковской галерее.
"Парад". 1917 год.
У Пикассо со скандалами всегда было все в порядке. Как и у Дягилева, впрочем. Их сотрудничество во время постановки балета "Парад" вошло в историю балета, музыки и живописи. Балет на музыку Эрика Сати поставил Леонид Мясин. Сценарий написал Жан Кокто. Декорации и костюмы - Пабло Пикассо. Французы на премьере кричали "Боши!", считая, что все это новое искусство может явиться только из враждебной Германии, и рвались "бить горшки". Лучше всего об этом балете написал несравненный Вадим Гаевский:
"Балет "Парад" был показан около ста лет тому назад, а именно - 18 мая 1917 года в Париже, в театре "Шатле", где с мая 1909 года обычно и давались дягилевские премьеры. Мировая война длилась уже почти три года, конец ее представлялся достаточно отдаленным, поэтому сочинять и показывать столь демонстративно легкомысленный балет, каким был "Парад", выглядело дерзостно необъяснимым. Но, как обычно, Сергей Дягилев все безошибочно рассчитал, все угадал, все предвидел - и в движении искусства, и в коммерческих рисках, а более всего - в настроении аудитории, не слишком затронутой событиями на фронте".
Содержание балета коротко рассказал в книге своих воспоминаний Сергей Григорьев, многолетний режиссер дягилевской антрепризы:
"Парад" изображал жизнь бродячего цирка и состоял из ряда хореографически решенных цирковых номеров: акробата, китайского фокусника, маленькой американки и коня. Последнего изображали два танцовщика, которые, к огромному удовольствию публики, выкаблучивали довольно сложные па под ритмы, заменившие музыку. Были еще два менажера в костюмах из кубических картонных конструкций, изображавших небоскребы с окнами, балконами, лестницами, но не лишенные каких-то человеческих форм". Остается добавить, что эти неожиданные костюмные сооружения, как и все другие костюмы, изготовил Пабло Пикассо - то был его дебют у Дягилева и вообще в театре. Музыку же написал тоже дебютировавший у Дягилева Эрик Сати, дерзким образом включивший в партитуру звуки пишущей машинки. А общий план придумал и разработал Жан Кокто, давно искавший возможность предложить Дягилеву нечто скандальное, но так, чтобы избегнуть скандала. Все это и получилось.
Форма спектакля "Парад" из отдельных аттракционов-номеров, следующих друг за другом (как и само слово "парад"), родилась в Париже на ярмарочных представлениях XVII-XVIII веков и восходила к площадному, бесстрашно грубому, нередко непристойному, всегда веселому средневековому фарсу. Парад и тогда пародировал католические или псевдо-католические мистерии, но довольно быстро был присвоен жаждавшим развлечений французским двором и положен в основу придворных так называемых балетов-выходов (балет-entree), где выступала вся знать и появлялся сам Людовик XIV, король-солнце. И вот три столетия спустя команда непочтительных дягилевских друзей решила спародировать давно ставшие легендой торжественные забавы версальских аристократов".
"Герника". 1937 год. Сейчас в Музее королевы Софии в Мадриде.
Очевидно, что в этой картине Пикассо продолжает линию "Ужасов войны" другого великого испанца Франциско Гойи. На Всемирной выставке в Париже в 1937 году это огромное черно-белое полотно было показано в павильоне Испании. Республиканцы заказали его Пикассо, чтобы трагедия баскского города Герника, который стерли с земли бомбы, сброшенные немецкими летчиками, воевавшими на стороне Франко, стала известна всеми миру. Но картина сама оказалась как фугасная бомба, взорвавшая привычные каноны представления войне как рыцарского поединка. Пикассо показал Гражданскую войну как кровавую бойню, по сравнению с которой даже коррида выглядит честным сражением. Голова быка, под которым взывает к небу мать с мертвым ребенком на руках, отсылает к образу Минотавра, чудовища с головой быка, пожирающего людей.
Говорят, во время оккупации Парижа фашистами немецкий офицер, увидев репродукцию "Герники" в кабинете художника, спросил его: "Это вы сделали?" На что Пикассо ответил: "Нет, это вы сделали".
Среди тех, кто оценил мощный потенциал этого художественного высказывания, была и Долорес Ибаррури, заметившая, что даже "если бы Пабло Пикассо за свою жизнь не создал ничего, кроме "Герники", его все равно можно было бы причислить к лучшим художникам эпохи".
"Голубка". 1949 год.
Говорят, что тем, что "Голубка" стала "Голубем мира" и прилетела на плакаты Всемирного конгресса сторонников мира, который проходил в Париже в 1949 году, Пабло Пикассо обязан Луи Арагону - поэту, коммунисту и большому другу СССР. Тот, придя к Пикассо, нашел литографию с голубем среди его рисунков.
Впрочем, Пикассо рисовал птиц с детства, поскольку его отец был страстным любителем пернатых. Неудивительно, что когда в апреле 1949 года, как раз перед открытием Всемирного конгресса сторонников мира, Франсуаза Жило, возлюбленная художника, родила ему дочь, девочку назвали Paloma, что по-испански - "голубка".
Словом, "Голубь мира" Пикассо сразу оказался плодом любви и политики. Пикассо выпустил его на волю в нескольких вариациях. И Пабло Неруда писал: "Голубка Пикассо облетает мир, и ни один преступный птицелов не сможет остановить ее полет...". В 1957 году "Голубь" стал одним из символов VI Всемирного фестиваля молодежи и студентов в Москве.